“Stai aspettando un treno, un treno che ti porterà molto lontano. Sai dove speri che questo treno ti porti, ma non puoi averne la certezza. E non ha importanza…perché saremo insieme.”

Che voi crediate o meno che la trottola, alla fine, smetta di girare su se stessa, non importa. Quello che ha unito tutto il pubblico è la certezza che con Inception siamo di fronte ad un film intricato e sorprendente. Il regista è Christopher Nolan che, prima di questo straordinario film del 2010, aveva già esplorato i confini tra realtà e illusioni con Memento (2000) e The Prestige (2006). In inception veniamo accompagnati in questo viaggio onirico da un cast importante: Leonardo DiCaprio è Dom Cobb, Joseph Gordon-Levitt è Arthur, Ellen Page è Arianna, Tom Hardy è Eames, Ken Watanabe è Mr. Saito, Cillian Murphy è Robert Michael Fischer e Marion Cotillard è Mal Cobb. Non a caso Inception si è aggiudicato nel 2011 ben quattro premi Oscar: miglior fotografia, miglior sonoro, miglior montaggio sonoro e migliori effetti speciali.

Dom Cobb e la sua squadra “rubano” le idee alle persone entrando nei loro sogni con vari trucchi e stratagemmi, ottenendo le informazioni più segrete e nascoste su commissione. Mr Saito, un importante imprenditore giapponese, contatta Dom Cobb per proporgli un lavoro difficile: quello di innestare un’idea, anziché estrarla, nella mente di un uomo, Robert Fischer, il figlio di un industriale concorrente di Saito. L’idea da innestare è questa: una volta morto l’anziano padre, il ragazzo sceglierà di dividere la società e di non seguire le orme del genitore. In questo modo Mr Saito potrà espandere i propri affari incontrastato e, grazie si suoi contatti, Dom Cobb potrà ritornare negli Stati Uniti e rivedere i suoi figli, cosa difficile da fare autonomamente perché è accusato dell’omicidio dell’amata moglie . A Cobb si uniscono altri personaggi che lo aiuteranno nella missione: oltre a Saito, interverranno Eames, un falsario in grado di cambiare aspetto all’interno dei sogni; Arthur, l’aiutante di Cobb; Arianna, una giovane studentessa di architettura che progetterà gli spazi virtuali dei sogni e Yusuf, un chimico anestesista con il compito di rendere il sogno stabile e di contrastare eventuali attacchi dall’inconscio di Fischer. La squadra dovrà affrontare, tuttavia, non solo la mente di Fischer, ma anche l’inconscio di Cobb che, andando sempre più in profondità, rivelerà sofferenze nascoste.

La firma di Nolan in questo lavoro si intravede facilmente nell’organizzazione temporale del racconto e nell’incastro perfettamente riuscito dei molteplici “livelli” di sogno. Questa caratteristica e questa sua predilezione nello stravolgere l’intreccio delle storie che narra è una costante dei lavori più importanti del regista. Un esempio (altrettanto coraggioso) di manipolazione della trama nel susseguirsi degli eventi è quello del già citato film Memento; quest’ultimo presenta un montaggio differente da quello cronologico, seguendo l’ordine dei ricordi poco chiari del protagonista a causa di un disagio post traumatico. È possibile ricostruire la storia dei personaggi, in tutte le loro sfaccettature, esclusivamente alla fine della pellicola. Non solo, anche The Prestige presenta una struttura peculiare grazie ad un gioco di ruoli e una trama suddivisa in tre atti, proprio come i passaggi di un numero di magia – e noi ci sentiamo gli spettatori a teatro che la ammirano.

La voglia di ipotizzare il suo pubblico, per Nolan, è una costante: anche in lavori successivi persevera nel suo intento, gestendo il tempo e lo spazio come due modellabili sculture dipendenti dal suo volere. È il caso di Interstellar, del 2014,  in cui siamo catapultati a milioni di chilometri da casa, in compagnia di Matthew McConaughey che, tra le pieghe distorte dello spaziotempo, cerca di salvare la figlia e  l’intero pianeta Terra. Il tempo diviene infine un nemico da sconfiggere in Dunkirk nel 2017, poiché le tre storie che compongono il film presentano una dilatazione temporale differente, intrecciandosi tra di loro e rendendo in modo completamente nuovo la storia di un conflitto bellico.

Inception può dunque sembrare un film intricato e complesso a cui approcciarsi conoscendo profondamente il concetto del tempo e dello spazio di uno dei registi più importanti degli ultimi 20 anni, analizzandone i tratti e le sfumature.

La complessità è data senza dubbio dall’ardita e labirintica struttura narrativa del film. Tuttavia, la stratificazione dei sogni e  l’intreccio della storia risultano incredibilmente lineari e coerenti. Questo effetto è stato ottenuto tramite una sceneggiatura di ferro e un montaggio curato nei minimi particolari, aiutati da una componente fondamentale all’interno della trama che aiuta il distacco razionale dello spettatore e dei personaggi; il tutto è condito da dialoghi essenziali ed esplicativi di un cast eccellente, corale, equilibrato. Spiccano le interpretazioni di DiCaprio e della Cotillard ed emoziona la colonna sonora bilanciata di Hans Zimmer che attraversa i momenti cruciali della storia.

L’architettura è l’elemento chiave di questo film, sia perché esiste una figura tra i personaggi che ha il compito di progettare le ambientazioni dei sogni (e quindi di renderci visibile il contesto), sia perché i sogni, così come li intende il regista, sono perfettamente costruiti, ordinati e rigorosi. Molto lontano dalle rappresentazioni oniriche tradizionali, ma estremamente realistici e vicini al nostro quotidiano.

Il genio di Nolan sta nella rappresentazione di un mondo che sembra parallelo al nostro e non cede alla tentazione di utilizzare effetti speciali incredibili, che sarebbero risultati senza dubbio inverosimili. Non è un caso, d’altra parte, che nel sogno si possa vivere esattamente come nella realtà, tanto da rendere indistinguibili tra loro queste due dimensioni.

Se il rigore e l’architettura caratterizzano le strutture dei sogni di Inception e le ambientazioni in cui si svolgono le vicende, è però nell’intricato nascondiglio del subconscio che si rintraccia il messaggio e la tematica più importante del film. Definirlo un semplice thriller sarebbe infinitamente riduttivo, perché quello che si cela nei sogni di Nolan sono anche i ricordi di un amore perduto e il dolore di una perdita lacerante. Così, anche quell’ascensore della mente che sembra un banale espediente cinematografico, racchiude il significato della storia: giù, in fondo, dove strati di sogni proteggono la nostra mente, vivono i mostri di una sofferenza che non si è mai spenta e che è pronta a riaffiorare ad ogni minimo sobbalzo del cuore. Vivere nei sogni? Vivere nei ricordi? Allontanarsi dalla realtà non può che condurre alla morte e alla distruzione. Lasciare andare è forse la chiave per riappropriarsi della propria vita e per Cobb è l’unico modo per rivedere i propri figli, quando si è completamente svegli e lontani dai sogni. Ma poi, lo si è veramente del tutto?

Silvia Taracchini

-Link al trailer

https://www.youtube.com/watch?v=BV7z0I90MJk

Si sono tenuti questa notte in America (13 gennaio) i Critics’ Choice Awards.

Durante lo show, giunto alla sua 24^ edizione e presentato quest’anno da Taye Diggs, vengono consegnati i premi per categorie cinematografiche e televisive scelti da una giuria di critici cinematografici e televisivi (BFCA e BFJA) appartenenti alle principali testate giornalistiche statunitensi.

E’ una delle tante tappe dell’Awards Season che però non ha riservato, a mio parere, grandi sorprese: infatti, a ritirare i premi durante la serata sono state, nella maggior parte dei casi, gli stessi dei Golden Globes. L’eccezione viene fatta da una commossa Lady Gaga, che in questa occasione vince come co-Miglior attrice protagonista (parimerito con Glenn Close che si era aggiudicata il Globe) e dalla categoria Miglior film d’animazione che viene qui assegnato a Spider-man: Into the Spider-Verse.

Crazy Rich Asians si porta a casa il premio come miglior film comedy a questo turno, mentre Black Panther riesce a strappare tre premi legati “alla produzione” (Best Production Design, Best Costume Design e Best Visual Effects).

Vi riportiamo qui la lista dei vincitori per ogni categoria:

L’Award Season nel frattempo continua!
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Film di Nanni Moretti, uscito nel 2006, con Silvio Orlando, Jasmine Trinca e Nanni Moretti. Racconta la storia di Bruno, produttore sulla via del fallimento e di una regista che cerca in tutti i modi di girare un film su Berlusconi, ma non riesce a trovare un finanziamento e un attore disposto a interpretare il ruolo.
Con questa pellicola Moretti ha portato a casa 2 Nastri d’Argento e 6 David di Donatello.

Recensione a cura di Chiara Fabbri, montaggio di Martina Ottaviano.

“In sette giorni dio creò il mondo, in sette secondi io distrussi il mio.”

Dopo aver raggiunto il successo in Italia e aver catturato l’attenzione della critica con i suoi lavori, il regista Gabriele Muccino nel 2006 atterra sul suolo americano per dirigere due dei suoi più importanti film: “La ricerca della felicità” e “Sette anime”. Noi ci soffermeremo proprio su quest’ultimo. “Sette anime” è uscito negli Stati Uniti col titolo originale “Seven pounds” il 19 dicembre 2008, mentre in Italia la pellicola, distribuita da Sony pictures, è stata proiettata il 9 gennaio 2009. In America il film ha guadagnato 70 milioni di dollari, a differenza de “La ricerca della felicità” che ne aveva incassati 160.  In Italia, invece, nelle prime settimane di programmazione, il film ha incassato più di 11 milioni di euro. I giudizi della critica cinematografica si sono divisi, ma tendenzialmente sono stati negativi. In questo articolo si cercherà di spiegare perché “Sette anime” è uno dei film più belli e intensi degli ultimi dieci anni.

Dopo un respiro lungo e affannoso in sottofondo, la cinepresa si posa con un primo piano sul protagonista, che è al telefono. <<911 emergenza>>, <<Mi serve un’ambulanza>>, <<Qual è l’emergenza?>>, <<C’è stato un suicidio>>, <<Chi è la vittima?>>, <<Io>>. Dopo questo enigmatico e travolgente inizio, veniamo condotti nella storia di Ben Thomas, un uomo che sembra nascondere un oscuro segreto. Per buona parte del film, infatti, non si riesce a capire che cosa stia succedendo e le sue azioni sembrano senza senso o collegamento. Ben Thomas è alla ricerca di sette persone. Ognuna di loro ha una storia diversa e dei problemi da risolvere: Ezra è un non vedente che lavora in un call center, Nicholas è un ragazzino affetto da leucemia, George è un allenatore di hockey che ha bisogno di un rene. Ben incontra queste persone con l’intenzione di aiutarle donando loro i suoi organi o offrendo loro un sostegno come nel caso di Connie, maltrattata dal compagno, alla quale il protagonista regala la sua casa al mare per farla trasferire insieme ai figli. Tutti questi volti si incrociano finché un giorno Ben incontra Emily Posa, che ha bisogno di un trapianto cardiaco, e, dopo averla frequentata per un po’ di tempo, se ne innamora. Così, tra le visioni del passato e la trama del presente, si ricostruisce mano a mano la vita di Ben, che in realtà è Tim, e del peso che gravita sulla sua coscienza. Il disvelamento del mistero non verrà raccontato qui di seguito perché se “Sette anime” riesce a tenere col fiato sospeso per 50 minuti, allora questa recensione dovrà esserne all’altezza.

La trama originale e struggente pare essere quella di un film indipendente, eppure il cast è composto da noti attori hollywoodiani. Will Smith (il protagonista), in questa pellicola, così come ne “La ricerca della felicità”, risulta grandioso e sofferente al tempo stesso. La sua interpretazione tocca il cuore degli spettatori ed è difficile non emozionarsi quando la storia si fa più commovente. Anche Isabel Rosario Dawson, nei panni di Emily Posa, è delicata e toccante. Gli sguardi dei due attori sono compassionevoli ed evocano una sofferenza intima e rispettosa. Woody Harrelson, che interpreta il pianista non vedente, pur avendo un ruolo secondario, è perfettamente equilibrato nel suo personaggio.

Dialoghi veloci e voce fuori campo unite in un montaggio eccellente che mescola piani temporali diversi: Gabriele Muccino racconta una storia di redenzione e di dolore.

Sono tematiche attuali quelle su cui questo film vuol farci riflettere: ha senso donarsi agli altri completamente, sia in senso letterale, che a livello sentimentale? Che cosa sono il perdono e il rimpianto? Qual è il senso della vita? Sono domande a cui forse un film non può dare risposta, ma sicuramente, “Sette anime” offre moltissimi spunti di riflessione. I tempi lunghi che impone il film, infatti, attraversano la storia di Tim e scorgiamo attimi di vita importanti: una donna che decide di salvarsi da un compagno violento, una ragazza che si aggrappa alla bellezza della quotidianità e dei gesti semplici per sfuggire a un destino di morte, la bontà genuina di un uomo che non può ammirare i colori della vita.

Il fatto che il regista tenga lo spettatore all’oscuro della verità per buona parte del film, aiuta a seguire la vicenda, che altrimenti richiederebbe uno sforzo psicologico troppo impegnativo.

Un dolore senza rimedio? No, il rimedio a tutta la sofferenza che vediamo in quasi due ore e mezza di film, è l’amore. Ecco che la pellicola, allora, si tinge di romanticismo. Anche la colonna sonora rispecchia l’andamento delle emozioni dei personaggi e in questo modo si passa da “The Crisis” composta dal grande Ennio Morricone a “Feeling good” dei Muse.

Sono pochi i film che riescono a toccare il cuore e “Sette anime” è sicuramente uno fra questi: intenso, forte e struggente. Forse è difficile immaginare un uomo che scelga volontariamente di donare tutto di sé a dei perfetti estranei, per alleviare un dolore profondo, tuttavia, in tempi in cui le persone troppo facilmente voltano le spalle al prossimo, un film può ancora risvegliare la nostra coscienza.

Silvia Taracchini